Marianne Pousseur

S'il est un disque événement, c'est bien celui-là. Et pas seulement parce qu'on y croise Philippe Herreweghe, l'homme des grandes machines vocales baroques, sur les rivages ascétiques du Pierrot lunaire, l’œuvre qui, lors de sa création à Berlin, en 1912, donna le coup d'envoi de la modernité. Comme il travaille à rendre plus expressif le stile espressivo de Monteverdi, Herreweghe s'est penché, sans plus de complexe ni d'a priori, sur les mystères du Sprechgesang, technique du « parlé/chanté» sur laquelle Sehoenberg n'a pas laissé de consignes bien claires. Sinon que la version du Pierrot qu'il dirigea lui-même en disque en 1940 opte pour l'expressionnisme « cabaret allemand»,

Chanteuse (et membre du Collegium Vocale) Marianne Pousseur (fille du compositeur) est aussi une actrice. Qui a monté l'an passé, dans une mise en scène de sa sœur lsabelle. un Pierrot lunaire filmé par la télévision belge et déjà dirigé par Herreweghe. Elle ne craint pas d'exposer sa voix à tous les excès (cris, gémissements) retrouve quand il le faut une rhétorique vocale ancienne (grelots. hoquets), pour une théâtralisation radicale du texte, ni «parlé» ni « chanté» mais joué, corporellement. Le passage de la première partie à la seconde marque, à la simple audition, le basculement dans l'excès, dans l'hystérie. Des visions cauchemardesques sont délivrées à voix nue. Le dénouement - détour fugitif par le chant : parfum d'enfance retrouvée - est bouleversant.

1 CD Harmonia Mundi, HMC 901390. A. R.

Schoenberg - Pierrot Lunaire - Télérama - 04-03-1992

Marianne Pousseur, cruelle et douce, géniale.

Le miel de Marianne

C'est une commère en coIère, c'est une rosière qui se désespère, c'est une pute qui chahute, c'est un travesti inouï, c'est une lionne qui rugit. c'est une amoureuse qui gémit. c'est la reine de la nuit, c'est Pierrette que a perdu Pierrot - c'est Marianne Pousseur qui arrive à son heure pour nous donner du sulfureux Pierrot lunaire l’une des interprétations les plus provoquantes, les plus insensées, les plus habitées et tragiques que I'on ait entendues jusqu’ici.

C'est Lolita qui glousse et susurre, c'est la « Madone des hystéries » qui chuinte et qui éructe. C'est une descente aux enfers, c'est dans un cabaret moisi L’enfance qui s'enfuit. C'est, on le sait, I'une des partitions-clés de la musique du XX' siècle avec sa litanie des vingt et un poèmes d'Albert Giroud réclamant une instrumentation d'une variété poussée à ses extrémités et une voix qui ne soit ni celle d'une chanteuse, ni celle d'une diseuse, mais qui englobe les deux en un « chanté-parlé » (Sprechgesang) dont on n'a pas encore fini de s’étonner.

Marianne Pousseur est cruelle, abominable; elle est douce a entendre. c'est du miel. Géniale. Avec elle, L’ensemble Musique oblique que dirige avec beaucoup de véracité stylistique le très baroqueux Herreweghe. Tout doucettement, ce dernier gagne une place enviable dans l’art et la manière de faire vivre la musique de notre siècle. 1 CD Harmonia - Mundi 90139Q - Enreg. Auditorium/Châtelet juillet 91- DDO 57'53-

Télérama N' 2199 - 4 mars 1992

Eisler - Chansons - Le Monde de la Musique - 05-1995

Marianne Pousseur (voix), Kaat De Windt (Piano)

1 CD unclassical Sub Rosa SR67 (distribue par Semantic)

Texte de présentation traduit en français Enregistré en 1994 - Minutage : 45' DDD - Technique : 8 - Prix : 156 F

Remarquée pour son interprétation du Pierrot Lunaire de Schoenberg (Harmonia Mundi) et des oeuvres vocales de Scelsi (Sub Rosa), Marianne Pousseur est I'une des rares chanteuses a interpréter Eisler avec autant de talent que Gisela May (Wergo), Dagmar Krause (IslandAntilles, upprimé) et Kate Westbrook (Line). Dans la célèbre Ballade von der « Judenhure » Marie Sanders (« Ballade de la "putain à juifs" Marie Sanders »), elle crée en quelques minutes un théâtre aux multiples expressions. Elle ouvre un monde désillusionné dans Hotelzimmer 1942, sonne le canon dans Panzerschlacht ou dénonce la misère des temps de guerre dans « über den Selbstmord ». Le piano de Kaat De Windt est lui aussi d'une expression souveraine. Pour I'interprète, « la musique d 'Eisler est plus qu 'un accompagnement du texte de Brecht : elle le complète, le développe et parfois le contredit, dans un extraordinaire dialogue dans lequel le poème est toujours exalté ». Puisse ce disque contribuer à la reconnaissance d'un compositeur mésestimé.

Franck Mallet

Le Monde de la Musique 1995

Carroll - Dialogue entre l' huître et l'autruche - LE SOIR - 22-10-1990

Deux reines et un enfant pour un dialogue étrange et farfelu, où le chant seul semble permettre de franchir toutes les barrières.

Passez donc de l' autre côté du miroir

Après sa création à Marseille et un passage au Festival au jeune théâtre, le projet de Marianne Pousseur

s' installe pour trois semaines à l'Atelier.

De Lewis Carroll à Borges, le passage « de l'autre côté du miroir» a toujours fasciné artistes et intellectuels. Dans le même temps, cet improbable voyage dans un univers parallèle fait rêver depuis des siècles des générations d'enfants s'échappant dans l'imaginaire. Avec le « Dialogue entre l'huître et l'autruche ", le discours intellectuel sur le reflet' croise l'émerveillement enfantin dans un , spectacle féerique et touchant, le côté merveilleux 'l'emportant nettement sur la partie plus « réfléchie» du spectacle.

Ce projet de Marianne Pousseur,. Sous-titré «Comédie-reflet en un acte et sept réflexions d'après Lewis Carroll », donne essentiellement la parole à ces habitants du miroir, forcés de réfléchir sans cesse une réalité qui n'est pas la leur. Au fil du temps, ces derniers ont de plus en plus de mal à accepter cette condition d'esclavage et souhaitent vivre leur propre vie. Ce qui, bien entendu, ne va pas sans mal. S'ils peuvent s'offrir quelques périodes de repos, une petite musique les rappelle régulièrement à l'ordre, les obligeant à reprendre leurs rôles. C'est dans cette ambiance de revendications et de menaces de grève larvées que le petit Kevin se retrouve d'un seul coup de l'autre côté du miroir. Rêve ou réalité, féerie ou tragédie (un enfant a disparu et Kevin évoque une possible noyade), nul ne le sait.

Dans un décor de guingois évoquant un vaste échiquier aux cases décalées, trois personnages jouent leur rôle. Les deux femmes s'activent tandis que l'homme trotte à perdre haleine dans une gigantesque roue. Image superbe. Au premier plan, un enfant observe l'action. Les femmes se parlent mais aucun son ne sort de leur bouche. Les habitants du miroir reflètent les images, pas les sons. Au bout d'un moment, c'est la pause. Le trio se débarrasse de ses oripeaux pesants évoquant le XIX- siècle anglais, et retrouve pour quelques minutes sa liberté.

C'est durant ces espèces de temps libre que le jeune Kevin pourra faire connaissance et dialoguer avec ces trois étranges personnages : la reine rouge, la reine blanche et sa majesté le professeur. Si les deux femmes se montrent tour à tour douces, drôles ou étranges, sa majesté le professeur est manifestement l'intellectuel de la bande. Parlant sans cesse, théorisant sur la problématique du miroir et de la vie propre de ses occupants, tenant de longs raisonnements emberlificotés, il tente de faire valoir le point de vue des habitants du miroir prêts à faire voler en éclats les bonnes vieilles habitudes de la réflexion. Drolatique à certains moments, le personnage interprété par Ryszard Turbiasz est peut-être le plus riche et paradoxalement le moins maîtrisé du spectacle. Ses longs discours reflètent manifestement une bonne part des préoccupations des auteurs mais ils sombrent trop souvent dans la redite et le prévisible, empêchant le spectateur de se passionner pour les questions pourtant intéressantes posées par son discours. Les réflexions toutes simples et terriblement logiques de Kevin viennent heureusement remettre les choses en place avec humour et les emportements du professeur deviennent au bout d'un moment sujets d'amusement pour tout le monde.

Le décor superbe joue ici un grand rôle, nous entraînant dès le départ dans un monde différent,

décalé. Les .éclairages d'Enrico Bagnoli et la musique envoûtante de Denis Pousseur y sont aussi pour beaucoup, de même que le formidable travail sur le son de Dominique Baguette. Mais le plus fascinant reste les dialogues entre Kevin et les deux reines préférant souvent s'exprimer par le chant. Et là, Marianne Pousseur et Simonne Moesen sont évidemment dans leur élément. On l'a, déjà dit et répété, mais le travail vocal de ces deux-là est une pure merveille. Qu'elles chantent en nous rejouant la danse des petits pains de Chaplin ou qu'elles divaguent sur des comptines d'apparence anodine mais pleines d'humour et de surprises, elles nous emmènent instantanément dans un monde de rêve et de fantaisie. Les textes de Lewis Carroll et Alain Keseman Kevin le plus souvent en anglais, sont de petites merveilles qui mériteraient largement de nous être révélées. Marianne Pousseur et Simonne Moesen, mêlant leurs voix avec une grâce infinie, leur donnent vie et éclat de manière incomparable. Et ces ritournelles inconnues continuent à vous trotter dans la tête longtemps après la fin du spectacle. Une fin qu’on se gardera bien de révéler pour préserver la surprise de très belles images clôturant ce voyage étonnant et féerique dans un monde irréel.

A l'Atelier rue des Tanneurs, du 25 octobre au 17 novembre

JEAN-MARIE WYNANTS

Poulenc - Babar Repubblica - 12-12-2002

Ravel - L'Enfant et les Sortilèges - Opéra International - 03-2001

Marianne Pousseur et Enrico Bagnoli, les concepteurs du spectacle, ont choisi d'aborder la délicieuse «fantaisie lyrique » de Ravel à travers les yeux de l'Enfant, un enfant universel, confronté à ses peurs nouvelles et ancestrales. Un enfant qui se heurte, pour la première fois, à la vie dans toute sa complexité, avec ses contradictions extrêmes, ses choix, ses sourdes et constantes zones d'ombre...

La haute silhouette de Maman, enceinte (un rival ?), se détache massive et inquiétante, comme une ombre chinoise, porteuse certes d'une future vie, mais si angoissante en cet état. Alors, l'Enfant boude, se révolte, s'empresse de désobéir pour mieux se faire remarquer, se venge sur ses jouets, ses lectures, les animaux qu'il côtoie, les végétaux... Mais, inévitablement, tout bascule, l'initiation est rude, blessante, salvatrice enfin. L'Enfant émerge dans toute son innocence d'origine... Un enfant, tout simplement!

Dans cette approche, le texte de Colette semble renouer avec sa fraîcheur première. Le caractère ludique de l'opéra - celui qui s'impose en général presque systématiquement -, disparaît au profit d'un monde où la fantasmagorie a choisi de régner. L'Enfant apparaît presque écrasé par cet écran géant qui décuple les personnages, démultiplie les objets et les fait danser sans logique, en mélangeant le tout avec extravagance.

Le jardin, pour sa part, montre un univers confiné, circonscrit en fond de scène par de multiples cages et clapiers. La conquête de la liberté sera pour l'Enfant semée d'embûches, mais les animaux, comme les végétaux, possèdent eux-mêmes une âme pure et tout rentrera dans l'ordre... jusqu'à la prochaine alerte.

…

Au pupitre, Oswald Sallaberger a montré une réelle inspiration et une vraie hauteur de vues. Il aime assurément la musique de Ravel, et il le prouve.

Ravel - L'Enfant et les Sortilèges - Le Monde de la Musique - 03-2001

Le Monde de la Musique n.252 Mars 2001

Sciarrino - « Lohengrin » - Le Monde - 24-05-2001

LOHENGRIN, de Salvatore Sciarrino - PARTS, de Hanspeter Kyburz.Par Marianne Pousseur (voix), Patrick Blauwart (comédien), Axe 21, Ensemble interContemporain, Jonathan Nott ,(direction), Jean-ClaudeBerutti (mise en espace), Rudy Sabounghi (costumes). Cité de la musique, le 22 mai 2001

On peut, voir dans le « Lohengrin »(1982-1984) de_Salvatore Sciarrino (né en 1947) plusieurs « spectres » de ce que, par commodité, on appelle le « théâtre musical » : une sorte de condensé essentiel, un substrat du Lohengrin, de Richard Wagner, dont ne subsisterait qu'une longue plainte en harmoniques, couleur «bleu acier» (comme disait Thomas Mann du prélude de l’opéra de Wagner) dans le dernier tiers de la partition (40 minutes environ), faisant sonner les intervalles du Big Ben londonien (car il est dit par Sciarrino lui-meme qu'Elsa est assourdie par le son des cloches) ; un monodrame dans le souvenir très décalé des femmes proches de la crise de nerfs d'Erwartung, d'Arnold Schoenberg, ou de La Voix humaine, de Francis Poulenc ,d' après Jean Cocteau, une étude bruitiste dans l'esprit d'un théâtre musical guttural, quelque part entre Peter Maxwell Davis (Huit chants pour un roi fou), Gyorgy Ligeti (Aventures et Nouvelles Aventures) et Dieter Schnebel (Maulwerke).

Mais le Lohengrin du compositeur italien est autre chose, une oeuvre singulière, isolée, dont la bizarrerie absolue est préservée, et magnifiée par Une poésie d'un raffinement extrême, au service d'une «action invisible» pour une vocaliste, chantant rarement, mais récitant un texte polyphonique où se mêlent deux personnages, Elsa et Lohengrin, sans compter l'inévitable cygne. Bruits de glotte, de salivation, toux, cris d'oiseaux, tous amplifiés de près, comme l'ensemble instrumental requis - lequel, à la Cité de la musique, dans la saisissante mise en espace conçue par Jean-Claude Berutti, joue derrière un écran de tulle.

Le metteur en scène a placé la chanteuse daris un fauteuil roulant, d'où elle ne s'extrait que quelques instants, pour se poster, tel un oiseau, sur le bord de l'estrade. La chanteuse et comédienne belge est une Ophélie hallucinée, prostrée comme à l'intérieur de ses cavités buccales et résonnantes. Elle «tient,» de bout en bout ce récit dont bien des aspects grotesques, au sens vrai du terme, pourraient basculer dans le ridicule s’ils n'étaient. vécus avec cette intensité.

POÉSIE ETRANGE ET LUNAIRE

Quand Vivianne de Muynck, sous la direction scénique, d'Ingrid von Wantoch Rekowski, incarnait cette partie comme le ferait une narratrice, perversement distante (à la manière des «officiantes » du film Salo, de Pier Paolo Pasolini), au festival Ars Musica de Bruxelles (Le Monde du 24 mars), Marianne Pousseur lui imprime une poésie étrange et lunaire, parfaitement accordée au beau texte programmatique que Salvatore Sciarrino a écrit pour l’occasion et que lisait, en prologue, le comédien Patrick Blauwart. -Quelques lumières seulement, mais justes, une mise en espace minimale, mais exacte (un contexte hospitalier), une direction précise et poétique de la part du nouveau directeur de l'Ensemble InterContemporain, Jonathan Nott, et le tour est bellement joué.

(…)

Renaud Machart

Pauset-Symphonie II La Liseuse - Festival d'automne Paris -Le Figaro - 10-11-2003

Christian MERLIN

A38 ANS, Brice Pauset est l'un des invités du Festival d'automne 2003 : la création de sa Symphonie II La Liseuse en était l'un des événements, vendredi à la Cité de la musique de Paris. Cela partait d'une bonne intention de mettre en perspective cette nouvelle pièce avec une oeuvre de Couperin, tant il est vrai que Pauset, qui est aussi claveciniste, est l'un de ceux qui posent avec le plus d'acuité la question de la manière dont un musicien d'aujourd'hui filtre les grands modèles du passé sans tomber dans le « néo ». L'idée fit long feu : peut-etre parce que la symphonie se prête moins à ce regard croisé, mais surtout parce que l'interprétation par Gaele le Roi et Monique Zanetti des Leçons de ténèbres du mercredi saint, avec Christophe Rousset à l'orgue et le magnifique Atsusi Saka"i à la viole de gambe fut d'un tel ennui et d'un tel manque d'articulation que l'on n'y reconnaissait pas son Couperin.

Du coup, la qualité de La Liseuse n'en était que plus saillante, rehaussée par la direction magistrale de Jonathan Nott à la tete d'un Ensemble intercontemporain réparti aux quatre cotés de la salle. A l'heure où la musique contemporaine s'oriente volontiers vers le décoratif, Pauset cultive une forme d'austérité que l'on ne peut s'empêcher de trouver salutaire. Le tableau de Vermeer La Jeune Femme en bleu lui a inspiré trois quarts d'heure d'une musique d'intériorité, qui évoque la recherche solitaire du savoir et du sens. Sur des textes de l'Antiquité et de la Renaissance, deux voix se confrontent puis se mêlent : l'une, parlée (Caroline Chaniolleau), dit les mots de manière intelligible, l'autre, chantée (Marianne Pousseur), disloque le texte. Mais c'est bien cette dernière qui l’emporte, comme si le son pur était plus porteur de signification que les mots. passages instrumentaux et vocaux alternent en une architecture solide et dense, qui va de la naissance d'un rai de lumière à la raréfaction d'un matériau qui s'effondre sur lui-même, les aspérités de l'instrumentation permettant d'échapper au travers du pur contemplatif qui guette nombre de musiques de notre temps.

Aperghis - Dark Side - Maerzmusik Festival de Berlin –Libération - 23-03-2004

(...)Dans la petite salle de la Philharmonie, Jonathan Nott créait Dark Side, une pièce pour soprano et ensemble de Georges Aperghis inspirée par le personnage de Clytemnestre dans l'Orestie d'Eschyle. Derrière son micro, Marianne Pousseur traduit l'état panique ou apaisé de la psyché de cette héroïne amoureuse et meurtrière. L'influence d'Artaud, mais également des films de Bergman et d'Antonioni construisant un personnage à partir de toutes ses facettes, permet à Aperghis de refuser la linéarité narrative et psychologique : une nouvelle réussite de théâtre mental, après son classique Hamlet-Machine. L'Ensemble Intercontemporain rend justice à cette écriture accidentée, délimitant à partir d'accords multiples et de notes pivots un cadre suffisamment inharmonique pour que l'auteur ne soit happé que par sa voix de feu.(...) /Éric Dahan - Libération 23/03/2004

Aperghis - Dark Side - Le Figaro - 23-03-2004

(...)Tout a commencé dans la petite salle de la Philharmonie avec la création d'une commande de l'Ensemble Intercontemporain à Aperghis, Dark Side, où le compositeur remonte aux sources tragiques de son enfance dans les pas de Xenakis en puisant dans l'Orestie d'Eschyle. Moderne Clytemnestre, la douce Marianne Pousseur, qui n'ignore rien de l'art de la récitation aperghienne, passe de la petite fille murmurante à la harpie vociférante : elle parle, fredonne, chante parfois et maudit le roi des rois avant de l'abattre en un mélodrame de 25 minutes aux dimensions cosmiques.

(...) /Jacques Doucelin - Le Figaro 23/03/2004